miércoles, 18 de octubre de 2017

Canción de la semana: Meridian Brothers - Estaré Alegre, No Estaré Triste




¿Dónde Estás María? es el nuevo atrevimiento de los colombianos Meridian Brothers. Su registro más "pop" hasta la fecha luego de regalarnos una colección de instrumentales sintéticas en su anterior placa Los Suicidas, y del continuista Salvadora Robot de 2014. El nuevo disco está muy cerca del registro alcanzado en el excelente Desesperanza, uno de nuestros disco favoritos del 2012. 

Sin lugar a dudas, una de las, sino la propuesta más interesante de la movida alternativa en Colombia de los últimos tiempos, ha sabido conquistar un sonido autentico que los identifica a primera escucha. Ese trópico distorsionado pasado por máquinas, el virtuosismo rendido a las mieles del humor negro y el aura experimental que sin duda deriva en cosillas tan interesantes y retorcidas como la que vamos a contemplar. 

La reinvención del sonido tropical tiene su mejor forma en esta Estaré Alegre, No Estaré Triste. Una percusión animada nos recibe mientras capas de sonido se van tejiendo y nos retan a seguir un ritmo endiablado y letal, entre tanta tropicália se cuelan cuerdas tensionantes, todo en pos de una narración romántica y heroica, la cual no vale la pena describir luego del magistral vídeo que acompaña la pieza, una interpretación milimétrica del sonido, de la construcción y del humor de Eblis Álvarez y su combo. 


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martes, 3 de octubre de 2017

Cronología y nostalgia: una entrevista a Buenas Noches


Castaño
El próximo viernes 06 de octubre, Buenas Noches estrena el primer volumen de una serie de EPs titulada Las Primeras Teorías. Con motivo del lanzamiento desempolvamos la entrevista que le hicimos en Bogotá hace un tiempo y que sirve de hilo conductor de sus pasos en la música, así como abre-bocas de sus nuevas canciones. 

el amarillo_ ¿Cómo fueron tus primeros acercamientos a la música?

Buenas noches_ De chiquito a mí me encantaba la música de radio, el pop, hoy día escucho las canciones que sonaban de cuando tenía 4 o 5 años y me encantan, pero ese acercamiento a la música era muy inocente, intuitivo. Fue casi adolescente que me convertí en un consumidor de música, con las versiones noventeras de bandas como Green Day y The Offspring, después empecé a oír mucho más rock clásico, tipo The Beatles, The Who. Luego volví a encontrar el punk, en su versión clásica, de hecho mi banda favorita de toda la vida es The Clash. Después de eso llega el internet y uno se enamora de cuanta corriente exista.



¿Cómo se dio entonces el acercamiento a la nostalgia y el revival ochentero, que se intuye en Planes y Buenas Noches?

Eso no surgió desde el principio de Planes. Al principio Planes era más moderno-tradicional. Era raro porque lo estaba haciendo con mis recursos, que también eran raros. En realidad yo no me enamoré de los ochentas sino hasta hace unos pocos años, hace unos cinco años, con the Smiths, no… hace más de cinco años ya, como ha pasado el tiempo…

Pero la obsesión de retratarlo en mi música sí es más reciente. Con Planes el toque ochentero surgió antes de grabar Las Américas porque los demos no tenían nada de ochentero. Recuerdo que yo comencé Planes alrededor del primer disco de Vampire Weekend, y tenía algunas cosas similares, con los recursos que tenía, además no éramos una banda en ese entonces, éramos solo dos y lo hacíamos desde el cuarto, obviamente no había chance de que sonara a Vampire Weekend, pero sí había esa influencia, ya después fue que entró la curiosidad de hacer música inspirada en los ochentas.

¿Cómo se dio la transición de Planes a Buenas Noches?

El asunto con Planes es que sacamos este disco en 2014 y a finales de 2014 yo me fui para México, tener una banda es complicado, crear una banda es difícil, conseguir la gente, trabajar con ellos, eso es decepción tras decepción hasta que tienes un grupo conformado. Yo estaba llegando a México y no tenía nada de ganas de arrancar una banda, quería independencia total y absoluta, tocar solo, hacer música para mí, que si me quedaba mal fue porque yo lo hice mal, si estaba bien era porque lo había hecho bien. En ese momento también me dio más curiosidad molestar con ritmos de fiesta. El baile no ha sido algo que mi música tenga tradicional o naturalmente, no siento que hoy día sea la música más bailable, sólo el intento de una persona que no hace música para bailar haciendo música de baile, ya le queda a la gente definir si es música para bailar.

Estos últimos años muchos artistas se han radicado en el DF. ¿Cómo sientes la escena allá y por qué crees que sería un buen medioambiente para los músicos de Latinoamérica?

Lo que pasa es que México lo tiene todo. Tiene una historia cultural bien fuerte, tienen un interés que no hay en otros sitios en Latinoamérica de consumir música de todo tipo. Tienen además los recursos para gastar un poco más en música, más que Colombia, más que en Argentina. Y tienen gente para organizar una industria, yo creo que eso en últimas es una de las grandes razones que llaman a la gente a venirse a México, es como un epicentro de la música, bueno de muchas cosas. Además está muy conectado entre Estados Unidos y Latinoamérica, son como un puente, se hablan para arriba, se hablan para abajo, eso creo que a mucha gente le puede interesar, y bueno, los taquitos.


Desde México exploraste tu faceta de productor con el disco de Bruno Toro. ¿Cómo ha sido esa experiencia y te animas a seguirlo haciendo?

El disco de Bruno lo produjimos entre Colombia y México. Me gusta producir, aunque es difícil conseguir proyectos para producir. Soy bastante quisquilloso con mis cosas, aunque me gusta toda la música, todos los géneros, no cualquier cosa me prende, si yo sintiera que hay millones de proyectos que me gustaría producir, estaría pensando en hacer una carrera como productor pero como son relativamente pocos, para mi es una cosa más esporádica. Tal vez estas cosas cambien.

Sí hay cosas que me gustaría trabajar, ahora que estuve en Colombia vi cosas interesantes con las que se podría trabajar, músicos que tienen talento pero que necesitan una industria, desde todo, desde creación de imagen, desde ingeniería de sonido, producción musical, me encantaría poder ayudar en la creación de eso.

¿Cómo fue la experiencia de hacerle el trabajo a la canción de Javiera Mena, en la participación de Bruno Toro en Adolescente Perpetuo?

Es una canción difícil, muy difícil, pero creo que nos quedó bastante bien. Yo ni siquiera hablé con ustedes, fue bruno el que me contactó para ayudarle en la producción. ¡Miren na' más como quedó!


Y de lo nuevo, ¿en qué estás trabajando?

El 6 de octubre sale un epecito, un EP de 4 canciones que es la primera parte
de dos epes que se llaman Las Primeras Teorías, El próximo año temprano sale la segunda parte, y ya como a mediados saldrá otro álbum o EP, no estoy seguro aun cuantas tendrá.

¡Que chevere ese formato de liberación!

Sí, es esta más cool por grupitos chiquitos. Además, me gustaba mas a colección de canciones en dos grupitos que en uno solo, sino se volvía muy largo. 


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lunes, 2 de octubre de 2017

Entre Ríos - SIN (2017)


“Aquí, nadie sabe de mí. Primero fui único, después olvidado”. La oración que inaugura Después, la primera canción en el nuevo álbum de Entre Ríos, parece contener un reclamo, el de su fundador, Sebastián Carreras. Si así fuera tendríamos que contradecirlo: aquí sabemos bien quién es, cada canción de Entre Ríos, de la más temprana a la que acaba de sernos revelada, alumbra nuestros días.

También existe en nosotros la inmensa pregunta sobre la popularidad que Entre Ríos bien merecería no en el paisaje indie sino en el panorama pop. Pero hemos querido respondernos que es su perpetua curiosidad la que les ha dado una suerte avant-garde e incomprensión, marcando un destino de banda de culto. De hecho, la propuesta misma de la banda en los últimos años ha querido estar al margen de la escena musical, SIN y sus antecesores, Saga (2013-2014) y Cuadro (2015) han sido concebidos más como hilos conductores de instalaciones artísticas que como discos, siendo presentados no en conciertos sino en museos y galerías de arte. Aun así, el valor de sus canciones nos basta para amarles sin haber tenido la oportunidad de asistir a sus instalaciones.

Y es que si hoy suenan frescas las canciones que Entre Ríos publicó desde el inicio de siglo es porque siempre supieron mirar al futuro. Por ello, en pleno 2017, el logro de la banda es haber conseguido capturar el presente. SIN contiene ocho canciones breves en las que prima la liviandad, el signo de nuestros tiempos: letras directas, casi escuetas, con melodías precisas, sintetizadores en un ejercicio de síntesis. Sin embargo, el alma persiste. Lejos ya de artificios, Entre Ríos se reinventa en la sutileza.

Así, Las fotos podría entenderse como una versión sofisticadísima de las canciones que contenía aquel primer EP de la banda, Provincia (2001). Suavemente descendemos en su analogía, en las fotografías y las canciones viajamos al pasado, en las fotografías y las canciones cristalizamos momentos significativos.

Cada canción de Entre Ríos podría ser una declaración de amor pero en SIN nos enfrentamos a un sentimiento depurado. Como un reflejo de nuestra propia búsqueda, en el álbum no figura un “Te amo” o “Te quiero”, sino más bien un Te prefiero, titulando con ironía no solo una canción sino el espíritu de esta época. Nuestros encuentros huyen cada vez más del compromiso y el patetismo, sentirnos elegidos aquí y ahora es la nueva trascendencia a la que aspirar.



La educación sentimental en SIN alcanza su mayor lección en Para saber, donde el coro es como un mantra o un manual de instrucciones para alcanzar la calma: “Para saber tendré que aprender. Para entender tendré que sentirme mal. Saber sufrir, después amar, después partir, y andar sin pensamiento”. Aquí alcanzamos el pico más pop del disco, como si el baile fuese el mejor instrumento para memorizar esta lección.

Emprendemos el descenso, Vos también y Tiempo & olvido son los pasajes que transitamos hasta Son, la canción más sentida del disco. Casi a capela y ajena a todo lo que ha hecho en Entre Ríos, la voz de Loló Gasparini nos conmueve en sus ecos, marcando así una despedida. Si el viaje fue liviano, esta última estación se deshace ante nosotros, sin alcanzar a comprenderla.

Perplejos, no nos queda más que oprimir nuevamente el botón y repetir el disco que ha terminado demasiado pronto.




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viernes, 22 de septiembre de 2017

Canción de la semana: Maronda con Marina Gómez - La Gota Malaya




Maronda es una banda de indie pop de Valencia que acaba de editar el notable Patrones de Fuerza, un disco hermosamente presentado por una portada de diseño impecable y minimalista que podemos apreciar al lado del post. 

Dentro de los ases de este disco nos topamos con una sorpresa que nos devolvió a una de las voces más queridas del staff amarillo, la de Marina Gómez, vocalista de la imprescindible banda española Klaus & Kinski, disuelta hace un par de años después de editar tres discos monumentales. 

La Gota Malaya cierra el disco de Maronda como un flash en varios niveles. Primero su duración. Minuto y medio de dream-folk que se pasa como un suspiro y te deja con ganas de más, o al menos te obliga a repetirlo hasta el hartazgo. 

Por otro lado, este es un paseo obligado por escenas incómodas entre ex-parejas que se re-encuentran en momentos comprometedores. Un relato que describe a la perfección una situación azarosa: "Al volverte a encontrar / no acerté al predecir / el impacto gradual que tendrías en mi" y sigue... "Hablabas de tu novia en ese tono que luego advertí / buscabas sonar neutro y era hostil / guardabas tus elogios y en el fondo querías decir: larguémonos un rato por ahí". El desenlace de este micro relato vale la pena disfrutarlo con música de fondo, así que éntrenle chicuelos. Lo mejor es que para los románticos, el disco está para descarga gratuita desde su Bandcamp, así que no hay excusas, disfruten de nuestra canción-obsesión de la semana. 


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miércoles, 20 de septiembre de 2017

Vídeo: Ibeyi con Mala Rodriguez - Me Voy


Después del fantástico vídeo de Deathless, las cubano-francesas Ibeyi siguen en la fase de promoción de lo que será el sucesor de su debut homónimo de 2015. Ash, como se titula el nuevo disco, estará disponible a fin de este mes convirtiéndose en uno de los lanzamientos más esperados por los melómanos de varias esquinas del mundo. 

Me Voy sorprende desde la primera escucha por el uso extensivo de programaciones, autotune y beats bailables, una cadencia inusitada en su música que de momento se mantenía en la estela del downtempo y las exploraciones vocales. La esencia sigue ahí, los juegos de voces y la estructura a base de percusiones, esta vez secundadas por su admirada Mala Rodriguez (en sus recitales suelen cerrar con una versión libre de Por la Noche).

Para el vídeo que nos reúne, Ibeyi hizo equipo con CANADA (quienes también dirigen el más reciente single, radioformulero de Beck), la apuesta esta vez se va por los decorados, escenarios que destacan a nuestras protagonistas enmarcándolas en fotografías preciosas que acompañan perfectamente los aires tropicales de esta canción. 



Ibeyi / Mala Rodriguez
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martes, 12 de septiembre de 2017

Canción: Francois Peglau y la Fracaso Band - Final Feliz


Francois Peglau es un viejo amigo de la casa del cual nos habíamos extraviado por seguir otras ondas sonoras. Sus primeras canciones, una suerte de lo-fi andariego que retrataba las cargas existenciales del autor, fueron una gran fuente de inspiración y un motor para afrontar el día a día en los primeros meses de este blog. Así que este post de alguna forma nos reconcilia con el pasado y nos devuelve a los senderos de un músico que se mantiene fiel a sus temáticas, esta vez con una capa de sonido más formal y pegadiza. 

El mismo aire veraniego de canciones como Sundays (Ukelele Song) recorre esta animada Final feliz. Una gruesa capa de riffs de guitarras y una firme sección de metales, una cadencia ska irresistible que gira en torno a una reflexión sobre los principios y los finales de las cosas: "Un final siempre invita a despedir / y las despedidas nunca las quise vivir / Un acto de negación o vanidad / no quiero morir sin poder disfrutar(te)". Esta sección es cerrada con una rima en inglés de ese pegajoso "Puedes ser túuuu", "End always bending the rules" recordándonos las posibilidades infinitas de las despedidas.

El nuevo disco de Peglau al lado de La Fracaso Band llega este mes junto a otros lanzamientos peruanos que nos tienen pegados a la pantalla. Disfruten la tonada al salto chicuelos. 


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lunes, 11 de septiembre de 2017

Canción de la semana: Entre Ríos - Para Saber



Para Saber es otra clase de educación sentimental magistralmente ejecutada por nuestros queridos Entre Ríos. La dupla entre Sebastian Carreras y Loló Gasparini prepara el inminente lanzamiento de su cuarto disco en la saga de instalaciones y performances en los que la banda se embarcó desde su regreso en 2013. Sin es el nombre del álbum del cual también conocemos la pausada Las Fotos y la enigmática Son

Para esta entrega el grupo se la juega con una melodía más upbeat, reminiscente de su enorme Salven las Sirenas o de sus contemporáneos, los alemanes, Lali Puna. Beats medidos que nos van llevando por una aventura de baile contenido en la nos instruyen sobre las bases del amor: "Saber sufrir, después amar, después partir y andar sin pensamientos", le escuchamos a Loló entre sintes hipnóticos y ecos que refuerzan la profundidad de esta tesis de amor. 

Para el clip de presentación, Entre Ríos hace equipo nuevamente con Fernando Delssin, con quien han colaborado ampliamente en esta nueva era. El concepto nuevamente gira en torno al retrato esquivo de Loló Gasparini, contraluces, prendas traslucidas y un negro imponente, un cuadro sencillo que sirve como marco elegante para una melodía que cautiva desde la primera escucha. 


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viernes, 8 de septiembre de 2017

Descarga: Diosque - Llanero



Al fin llegó el tan esperado 8 de septiembre. Desde ahora y por 24 horas podremos descargar el 4to disco del argentino Diosque completamente gratis, con solo un click. Esto es nada más un anuncio rápido porque el coletazo del huracán vendrá después... estatus: Descargando. 


Descarga: Llanero

miércoles, 30 de agosto de 2017

Los Besos - Helados Verdes (2017)


Paula Trama y Los Besos continúan su entrega de placas cortas y certeras. Si con sus dos primeros lanzamientos intuíamos la apropiación del formato de canción fugaz, con este Helados Verdes se intensifica la tendencia. De hecho, la canción más larga del disco no sobrepasa los tres minutos y medio, esa titular Helados Verdes, que promete nuevos sabores y colores en el cancionero del grupo argentino, cumple a cabalidad su propósito en estas seis canciones que mantienen viva la atmósfera de la canción romántica, mientras contienen el mismo espíritu punk y poético de las entregas anteriores. Una gran forma de agrandar un repertorio que hasta el momento se mantiene intachable. 

Sólo dos cassettes de bandas en inglés 
Romántica perdida.

Dos Cassettes abre esta entrega con un riff emocional, una batería juguetona y sintes profundos, una estructura peculiar para una canción pop que va de las limitaciones emocionales de la autora y de las peripecias que debe sortear para ampliar su rango emocional. Esos "fondos de dos cassettes de bandas en inglés" de los que habla Trama generan las imágenes suficientes para continuar la exploración del resto del disco, y a su vez, nos da pistas de lo que representan las canciones que lo conforman: "A esta altura cuento con cuatro o cinco sentimientos: alegría, miedo, amor, celos y obsesión".

La felicidad de mis pasos temo exagerar.

En este cuadro de emociones, Helados Verdes se alza con el título de la canción de amor del disco. Una composición redonda coronada con una trompeta evocadora y un ambiente propio, el cual ya fue retratado en su majestuoso vídeo clip. Un festín para despertar los sentidos, cual liberación de hormonas en el enamoramiento. He aquí el soundtrack perfecto para esos días mágicos. 

Avatares, ilusiones...

Offline transita los pedregosos terrenos del amor cibernético. Descripciones poéticas, palabras cortas que describen a grandes rasgos las circunstancias de una relación virtual. Acá la obsesión parece ser la emoción sugerida por Trama en este micro relato desencantado que cierra con una pregunta para el enamoradizo digital: "Terminó y yo ¿quién seré?"

Si yo fuera tu candidata en la República Argentina, 
Tal vez sería la trombonista de una banda metalera.

La ironía inunda Canción del ballotage, un medio tiempo que versa sobre el caluroso ambiente político argentino, tema que ya habían tratado sutilmente en 8N (Un disco de los besos, 2016), pero que acá es reforzado con el acento y una gruesa capa de humor negro. 

No era exactamente como pensaba...
No era exactamente como pensabas...

Esto es exactamente lo que pensamos cuando inicia la segunda parte de Pasito espectacular, la que en un principio prometía ser la Despacio del disco se convirtió en la referencia directa al primer lanzamiento de Los Besos. Todos los instrumentos a la orden para una canción colorida que nos lleva por sendas de sosiego y alegría. 

Las fantasías, sus tierras infinitas 
gratis, soledad 
son tan anónimas, siempre las mismas...

Los teclados de Inés Copertino crean el ambiente perfecto para la breve despedida de Helados Verdes, un suspiro sosegado al que también se suma la trompeta de Victor Rallis. Imágenes diáfanas del "dejar ir". Ese momento definitivo en el que abandonamos la fantasía como fuente emocional, casi como si la misma chica del principio del disco hubiese dejado atrás esos dos cassettes de bandas en inglés para descubrir un nuevo set de sonidos, posibilidades y sentimientos. 

Adiós, señora fantasía
ya me voy ya me fui, no estoy más por ahí.


Descarga: Helados verdes
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martes, 29 de agosto de 2017

Canción de la semana: Thornato con Lido Pimienta - Tu Luz


Thornato es el alias de Thor Partridge, un sueco radicado en Nueva York cuya infancia estuvo trazada por los confines de la música tradicional griega, africana y caribeña. Parte del equipo del sello Wonderwheel Recordings, especialistas en esta camada de folkloristas electrónicos del siglo XXI, Thor edita este año su primer largo titulado Bennu, del cual se desprende esta canción que llega en el momento justo, aún cuando su liberación se dio hace varios meses. 

Una re-visión necesaria a un hit en potencia que nos devuelve las colaboraciones cadenciosas de la colombiana Lido Pimienta, una más para su haber. 

Tu Luz arranca con una base que combina las bondades del dembow y el dancehall, manteniendo una cadencia contenida, nada estridente ni fuera de lugar, programaciones, cantos de guerra que se convierten en ecos y la voz de Lido comandando sus rimas con acento caribeño, una dulzura iluminadora que responde a las necesidades de una canción para nuestros tiempos, con aires universales en cada giro. 


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jueves, 24 de agosto de 2017

Vídeo: Pamela Rodriguez - Plug & Play



Los apurados "Hack me, fuck me, que se apaga" que Pamela Rodriguez libera en su más reciente single tienen ahora una transcripción visual bastante sugestiva. Bajo la dirección de Anais Blondet, y con un equipo de producción compuesto en su gran mayoría por mujeres, Pamela recrea las intimidades del vídeo chat, con un poco de humor y una luz tenue, se mofa de la censura mientras se mantiene provocadora y delicada, primeros planos de striptease en pantalla, pezones y flores rebosantes de vida crean el ambiente perfecto para completar el imaginario de una canción irreverente, herética y por demás muy inteligente.


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miércoles, 23 de agosto de 2017

Luciana Tagliapietra - Kawaii (2017)




La premisa del nuevo disco de la argentina Luciana Tagliapietra yace en el significado del término japonés Kawaii (lindo), nombre que hace eco de la frase que cierra la descripción del disco en su cuenta de Bandcamp: All You need is love, love, love, haciendo énfasis en ese sentimiento tan esquivo.

En las siete canciones que componen Kawaii se respira un aire novedoso en la música de Tagliapietra, una dulzura pasada por programaciones y sintetizadores que sugieren la ternura contenida en el título, casi que podemos imaginar estas canciones en los créditos de algún anime juvenil, o bien con coreografías K-pop, esas de perfecta sincronización que te dejan atónito y pegado a la pantalla. 

La producción de este álbum estuvo a cargo de Ignacio Molina quien sube a Luciana al vagón del pop electrónico, a lo Coiffeur o Diosque, varios pasos por delante del pop orgánico de su anterior placa La Luna (2013) y muy cerca de la marca lograda por el inolvidable Diagrama de Ben (2011). Con esta nueva forma nos preguntamos si el fondo también ha cambiado, y es allí cuando afloran las ironías que vuelven Kawaii un disco triunfante en varios niveles. 

Primero el beat sencillo, los sintes y el bajo de El Busca, la canción que nos da la bienvenida con giros agridulces que alejan las letras de Luciana de esa ternura que prometía el título: “Ya no creo que seamos amigos / con cansancio te lo digo”, la escuchamos desahogarse en estos dos minutos y medio de magia pop con un estribillo híper-pegajoso que nos arrastra y nos deja improvisando pasos de baile: “Cuando menos lo espero en la puerta estás”. Esto es lo más cercano a la canción pop perfecta que he escuchado desde Lento o Eres para mí de Julieta Venegas, de hecho, encuentro muy curioso el puente que crean algunas de las canciones de este disco con esa era del pop latinoamericano, y sólo arrancamos.

En esa misma línea llega Un Monstruo, italo disco a lo Javiera Mena y la misma desolación encantadora que nos ha ganado en la música de la tucumana: “Tengo helado el corazón / ha pasado el tiempo ya / aprendí a saltar las piedras / sin mirar atrás”, con un nuevo coro inolvidable que se presenta como un cliffhanger en principio, pero que al cierre nos deja caer al abismo sin reparos: “Otra vez / estoy inestable / y quiero tu amor”. 

En breve llega Estoy Pesando con su armada de sintetizadores, una canción que se aleja de la senda upbeat que traía el disco para sumergirnos en nuevas confesiones de la autora. “Canciones de amor, las hago pero no me importan, no me dan calor. Canciones de amor, las hago pero no parecen precisar el sol”, una declaración de principios que se subvierten en momentos en los que el disco se anima cercano a las bondades del amor. 

Por ahí viene Los Santos con dejos de reggae y estallidos instrumentales dejándonos una nueva frase para actualizar un dicho de desencantados y desenamorados “He pedido a los santos y desconecté tu voz / no te quiero ni en pantalla / este amor nunca existió”. Por su parte, la canción que da nombre al disco es un paseo orgánico producido por Pablo Marquez Grabia y la misma Luciana, un guiño a sus primeros álbumes que aunque alejado de la onda electrónica ofrece un suspiro para retomar fuerzas y afrontar el cierre inminente de la placa. 

Como todo buen disco de desamor, las concesiones al sentimiento universal son bienvenidas. Canción Uno es una declaración de amor con restricciones, la sorpresa de hallarse nuevamente sintiendo cosas raras con la incertidumbre del futuro. Por suerte las margaritas deshojadas no sirven para opacar la intuición, “Pienso que es grande lo que tenemos” concluye Luciana, saliendo airosa de esta canción de amor que pudo ver el sol. 

Como un ciclo, Paisaje cierra Kawaii con las mismas energías con las que nos recibió El Busca. Beats y sintetizadores están a la orden del día mientras la letra, cual despedida, nos deja nadando en la añoranza, como las preguntas que se quedan sin respuesta después de la partida. 

Es difícil darle una conclusión a una reseña sobre un disco de amor-desamor, el tema da para tantas lecturas e interpretaciones, que la de Tagliapietra puede ser considerada una más de las millones de posibilidades de capturar el amor en canciones. Por suerte (o mala suerte) para nosotros, la tucumana lo hace reinventándose en sonido pero manteniendo las espinas afiladas, no excediéndose en adornos ni metáforas para darnos justo ahí donde más duele, esta vez mucho más cerca de una pista de baile, lo cual augura salvación y renacer.



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jueves, 17 de agosto de 2017

Canción: Ságan - Todo



Ságan, la dupla colombiana que nos sorprendió con su disco debut, Cada Célula (2015). está de regreso anunciando su muy anticipado segundo LP, el cual han titulado II. Recientemente, el grupo había estrenado el vídeo para su indiscutible hit Calígula, una canción de estructura pop formal con ganchos en cada giro. Muy en esta onda llega Todo, marcado por programaciones upbeat y una letra como invitación a dejarse llevar por los senderos del deseo: "Todo mi cuerpo / quiere tu cuerpo / quiere misterio / de no saberlo", le escuchamos cantar a Maria Gutiérrez con su voz desnuda, corriendo sobre una base de guitarra que incita al movimiento, una invitación escueta a seguir conectados, atentos a las sorpresas que depare su nuevo disco. Enganchados quedamos.



Ságan
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sábado, 5 de agosto de 2017

Vídeo: Kali Mutsa + Imaabs - Inglis




La decoración + la devoción, la fórmula parece conjurarse en el nuevo vídeo de Kali Mutsa + Imaabs dirigido por Felipe Prado.

El culto a una figura de porcelana por un grupo de espadachines millennials es el hilo conductor de este ejercicio de estilo entre el ciberpunk y la estética kitsch de Kali Mutsa. EL retrato vanidoso de una generación post apocalíptica en el que Kali, ataviada como una diosa contemporánea, deambula entre la chatarra y el lujo excesivo entonando este canto de combate que ironiza la colonización cultural. 

Inglis, este darkbow, aleación letal entre baile y crítica, hace parte de La Devoración, el EP editado por NAAFI que reúne al productor Imaabs con nuestra diosa gitana Kali Mutsa, mismo que pueden escuchar en su integridad en su plataforma favorita.



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viernes, 4 de agosto de 2017

Vídeo: Louta - Felix


Jaime James encarna a Louta, un personaje que editó su disco debut y homónimo a finales de 2016, y que entra en la contienda de discos destacados de este año gracias a sencillos como Sigo sin entenderte y Alto Auch

Las ocho canciones que conforman Louta son variopintas, enérgicas y responden al performance creado por James en sus recitales, una suerte de pop advancer como pocos hemos visto recientemente, uno que se sale de las fronteras del pop para llevarlo a terrenos incómodos, a momentos estridentes, pero siempre bajo la consigna del lenguaje y las sonoridades periféricas, un poco de cumbia, electrónica, trap y cuanto género se le cruce por su paleta de colores, la cual, en contraste con sus visuales, se mantiene en tonos pastel impolutos. 

Precisamente a eso viene el recién estrenado vídeo de Felix, a embadurnar con helado la aparente perfección visual de Louta. Un sin fin de contrastes desde la música que resuena a tribalismo y paranoia, y los encuadres fotográficos de los personajes que habitan estas escenas, una niña preciosa que pronto comienza a portarse mal ante el beneplacito de los mayores. Una representación gráfica quizá de lo que ha venido haciendo Louta con su proyecto musical, a sacarnos de la comodidad con mezclas vanguardistas y malcriadas. 


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miércoles, 2 de agosto de 2017

Canción de la semana: Luciana Tagliapietra - Canción Uno


Ya nos estábamos preguntando qué había pasado con el disco que Luciana Tagliapietra nos había prometido, y que Escala, aquel formidable sencillo de finales de 2016, nos anticipaba con tantos bríos. Nuestra espera tiene un fin y una nueva historia parece escribirse en la discografía de la cantautora argentina. Abrazando la corriente electrónica, Tagliapietra nos presenta Canción Uno, el primer single de Kawaii, el sucesor de La Luna (2013). 

En forma, esta canción de amor traduce las melodías de Tagliapietra a escalas upbeat vertiginosas, de programaciones incesantes y sintes voluminosos. La siempre bienvenida duda que arropa las letras de Tagliapietra sale a relucir en esta nueva entrega que a la vez la reconcilia con la esperanza en el amor: "¿Estaré a tu lado siempre? / me pregunté / y no pude contestar", una frase que sirve como autoreferencia a la descorazonada Vidrio Roto, (Existe el amor? / te pregunté / pero me olvidé de preguntármelo). La canción la corona una frase como respuesta abierta a esta implacable incógnita: "Pienso que es grande lo que tenemos".

Luciana planea liberar el contenido de Kawaii este fin de semana. Mientras amaina la espera, seguimos dándole play a la Canción Uno del tracklist, nuestra nueva obsesión y la confirmación de nuestra fe en la tucumana. 



Streaming vía spotify



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Vídeo: Juana Molina - In The Lassa




In The Lassa es una de las canciones instrumentales del excelente Halo, el nuevo disco de nuestra musa Juana Molina. Una de esas canciones sin letra que nos prometió en la era Un Día y que ahora resuena con bajos endiablados y aires tropicales oníricos. 

El equipo de Opertura se ha encargado de traducir a imágenes, y muy a su estilo, el imaginario oculto de esta canción. En este clip de cinco minutos somos testigos de las aventuras de Jane Bone, este personaje que en un principio parece extraído del mundo de Rem & Stimpy pero que de a pocos va creando su propio tiempo y espacio, incluso su propia leyenda. Cual vídeo juego de aventuras vamos por los stages de este mundo natural y mágico en el cual los encuentros casuales pueden desatar nuevos poderes y nuevas guerras. El carácter juguetón y viajero de la música de Juana es retratado acá con colores vívidos y personajes a la altura de la tarea de recrear los "muñequitos" que guían a Juana en su creación musical. 

Como bonus, los dejamos con la lecture que dio Molina hace unos meses para presentar Halo en la Red Bull Music Academy, un documento que habla del proceso creativo de varios de sus discos, una escucha entretenida, visualización obligada para hardcore fans y neófitos. 



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jueves, 20 de julio de 2017

Vídeo: Bairoa - Barlovento



Barlovento, el nuevo single de Bairoa (tecladista en Buscabulla) es más un misterio que una revelación. El vídeo nos lleva a su natal Puerto Rico, donde paisajes y escenas tropicales, ajenas a rastro de civilización, pareciesen salidos de una realidad alterna donde lo tropical y el misticismo son frutos del mismo árbol. El músico, como personaje central, deambula por estos lugares como si se tratara de un visitante ajeno al contexto, en medio de un ritual que se mantendrá siempre enigmático al espectador.

El lado musical presenta una dualidad similar a lo antes expuesto: la comunión entre lo tradicional y lo moderno. En medio de ecos producidos por la experimentación en sintetizadores corre una percusión de carácter nativo centroamericano, conviviendo ambas en armonía. La canción, casi instrumental, es más una introducción en vez de un hit pegajoso, engatusando al oyente y dejándolo con ganas de saber qué es lo que puede seguir. 

Pareciendo ser Bairoa es un hombre de misterios la respuesta a esto se tendrá al estrenarse el EP también llamado Barlovento, después de buen tiempo su primer trabajo de estudio. Solo queda esperar ver más de estos paisajes llenos de color y misticismo.


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Canción de la semana: PUTOCHINOMARICÓN - Gente de Mierda




PUTOCHINOMARICÓN es el alias de Chenta Tsai, un taiwainés que creció en Madrid vibrando con las tonadas de las Spice Girls y la escalada de pop noventero. De hecho, su meta en la vida es escribir el siguiente Wannabe, logro al que se acerca bastante con su primer single, la himnica Gente de Mierda, que nos voló la cabeza desde la primera escucha. 

Conversando con Chenta surgen nuevas lecturas a su aparente pop inofensivo, el activismo permea su propuesta que usa las estructuras del electro-pop como vehículo para destilar críticas afiladas sobre el mundo contemporáneo. En su haber tiene títulos como No tengo Wifi o Marikapikapika, ejercicios de PC Music que cumplen a cabalidad su objetivo de generar reacciones en el oyente, bien desde los necesarios pasos de baile o desde la identificación y la posterior adición a su iniciativa reivindicativa. 

Gente de Mierda es la pista más redonda de su repertorio hasta la fecha, un mensaje directo, un estribillo inolvidable y coreable, un beat marcado y punzante, la duración adecuada para querer repetirla hasta el hartazgo, muy en la onda del pop-humorístico español tipo Ojete Calor, Las Bistecs, Joe Crepúsculo, de hecho, si al terminar la escucha suena Música para Adultos identificamos la hermandad de estas canciones, dos firmes candidatas a nuestra lista de hits del 2017. 

  

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martes, 18 de julio de 2017

Canción: Empress Of - Go To Hell (el veredicto)


Parte de la redacción del blog comparte sus primeras impresiones del más reciente sencillo de una de nuestras outsiders favoritas. ¿Será que esta Go to Hell mantiene la magia de su debut?

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La propuesta musical de Empress Of sigue demostrando que el sonido de la diáspora iberoamericana va a dar frutos por un largo rato. La foto que acompaña al single, en la que Lorely Rodríguez rinde un tributo tácito al imaginario visual de artistas como Jeanette o Selena Quintanilla, habla del sutil coqueteo de su potente sonido de sintetizadores y drum machines con las raíces de la balada en español. Go To Hell es una telenovela de tres minutos; o al menos eso imagino al llegar a la frase "Jump down from your high horse / Let's talk truth". Go To Hell es una frase que, claramente, hay que reforzar con una cachetada de actriz del Canal de las Estrellas. Esperamos más de esta Empress Of que apuesta a darle continuidad a uno de los proyectos femeninos más sólidos de la escena ibero. Christian Barandica

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Go To Hell no es lo que esperaba de un nuevo sencillo de Empress Of, mucho menos después del gigante single suelto que fue Woman is a Word. Su rendición al sonido tropical y a las bondades del pop upbeat no transmiten el carácter irreverente que Lorely pretendía destilar con esta pieza too sweet para una canción contestataria. La linealidad de la mezcla me deja con ganas de más, no estoy diciendo que debió amoldarse al cliché de gritar "vete al infierno" como cualquier Avril Lavigne lo hubiese hecho, pero el efecto final del coro no trasciende y no me dan ganas de re-visitar la canción, aún cuando sus piruetas vocales y producción nos ofrecen pistas de las nuevas exploraciones de la artista. Con esto tampoco quiero decir que vayas a fallar Lorely, sigo con ganas de escuchar que nos depara Empress Of en su nueva entrega, pero esta vez creo que no le apuesto al sencillo, ya veremos que pasa con las siguientes escuchas. Will Balooni



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viernes, 14 de julio de 2017

Canción de la semana: Pamela Rodriguez - Plug & Play


Pamela Rodriguez regresa después de varios años de silencio musical. Recordemos que su última placa de estudio, el imprescindible Reconocer salió en 2011, aunque en el camino pudimos escuchar su monumental versión de I don't Wanna Grow Up de Tom Waits, y su EP de rompimiento Una Herida Hecha Luz de 2015. Caracterizada por cambiar su molde para cada lanzamiento musical, Rodriguez nos entrega en Plug & Play el manifiesto de su nueva exploración. 

Una pista de menos de tres minutos que cuenta los pormenores del sexo virtual. Echando un poco atrás descubrimos que la liberación sexual ya estaba en la baraja de temas de la limeña, Ligera Love, el single principal de su anterior disco, ya coqueteaba con esta idea aunque de manera más orgánica y naïve. En Plug & Play el acercamiento es más explicito gracias a esos "Fuck me, fuck me, que se apaga", pasando por la herejía envalentonada y la des-humanización del concepto de virtualidad: "Besos des-configurados, pixels en mi habitación, Dios es una aplicación". 

Musicalmente la aventura no puede ser menos emocionante. Comandados por un bajo afilado, a la pista se van sumando otros instrumentos que hacen su aparición estelar cual sonidos de chat calentón, todo sigue sonando orgánico y milimentricamente ejecutado para contrastar con las palabras de Pamela. Ahora sí, creo que nos hemos acabado el botón de re-play de las veces que hemos fantaseado oyendo esta canción, una pieza irreverente que no puede faltar en sus playlists del año.


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miércoles, 12 de julio de 2017

Canción: Ignacio Herbojo - Ocaso




Ignacio Herbojo fue una de nuestras apuestas en Adolescente Perpetuo, el tributo a Esquemas Juveniles de Javiera Mena que veía la luz de sus pantallas el año pasado. 

Su retoma de Sol de Invierno fue uno de los riesgos más grandes de este disco, en su moment nosotros no pudimos hacer más que celebrar la valentía del músico argentino que también se estrenaba en el formato banda con esta canción. 

Hoy nos llega Ocaso como adelanto de Terremoto, su segundo disco, después del autoproclamado Solo (2013), una canción que retoma el formato presentado en el tributo con mejoras significativas en la formación y en la producción, un momento rock con desgarros pop, que encuentra puntos altos en el desarrollo vocal de Herbojo y en los aportes de los instrumentos que construyen este híbrido que parece ilustrarse a la perfección con las animaciones en 3D de su vídeo de acompañamiento.

Esperamos no tener que esperar hasta el siguiente ocaso para descubrir completo el nuevo disco de Ignacio, desde ya, una de nuestras apuestas del segundo semestre.


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martes, 11 de julio de 2017

Canción: La Bien Querida - 7 Días Juntos + Dinamita (el veredicto)



Fuego el nuevo disco de La Bien Querida ya tiene dos sencillos para ir saboreando hasta su lanzamiento previsto para el 06 de octubre. Mientras nos llegan nuevos adelantos del disco, parte de nuestra redacción evalúa este lanzamiento doble que introduce uno de nuestros discos más anticipados en lo que resta del año.

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No es la primera vez que con perplejidad escucho una nueva canción de La Bien Querida, hace ya algún tiempo, en Ceremonia (2012) supo sacudir las bases mismas de su propuesta musical y entregar una brillante aleación entre canción romántica y new wave. Este año, su curiosidad la arrastra a otra orilla, al parecer la de una tierra tropical. Podría decirse que 7 día juntos representa muy bien la idea europea del ritmo latino, allí, LBQ se esfuerza en la construcción de una melodía coqueta, entre reggaetón y cumbia, con una letra que aunque maravillosa parece no adherirse con gracia a su experimento. Aparece entonces la voz de un Joan Miquel Oliver (desconocido hasta ahora) para apaciguar cualquier duda, pues él, más que ella a primer juicio, conecta con la intención festiva. Repito la canción y no parece ya tan disonante, un par de escuchas más y estaré bailándola como un éxito de La Factoría.

El lado B de aquel pasaje tropical es un absoluto contraste. Instalada en una melodía orquestal, LBQ alcanza la ritualidad en un manifiesto de amor propio y búsqueda incesante. Canción para cerrar los ojos: "Voy a tomar el camino equivocado, voy a salirme de la trayectoria", "Y es que siento como si toda mi vida me hubiera estado conduciendo a este preciso momento", cómo no suspirar y reconocerse en las palabras que se repiten como una oración, cómo no estar la espera de una gran revelación. Camilo Castaño


7 Días Juntos coquetea con beats latinos, quizá la faceta más bailable de la Bien Querida que en su haber ya ha coqueteado con géneros como el krautrock, el flamenco y la electrónica. Una canción con más peros que sís. Primero unos sintes intrusos que convierten los beats más elevados en una especie de caos emocional, luego está la letra que tampoco logra engancharme del todo, la falta de un coro contundente y pegajoso tampoco anima la escucha que se vuelve un poco tediosa hasta el minuto 4 cuando hace su aparición gloriosa Joan Miquel Oliver con un estribillo contundente que logra cautivarme y a la postre volverme un adicto al desenlace de esta historia de 7 días: "Adiós luna llena, siempre serás, serás mi estrella".

Dinamita, por su parte, encaja de inmediato en la discografía de LBQ, un medio tiempo de órganos pronunciados que cómo anuncia la letra parece conducirnos a un momento especifico, a este preciso momento, aquí la suerte parece sonreírnos; me dejo llevar por la calma de este micromomento de tensión descrito por la canción, sabiendo que estoy ante un sí rotundo que anima mi espera por el nuevo disco de la española. Will Balooni


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jueves, 6 de julio de 2017

Vídeo: Los Besos - Helados Verdes



Hace poco más de una semana Los Besos nos presentaron Helados Verdes, un disco corto que prolonga las hazañas de estos argentinos que vienen construyendo un cancionero coherente desde el lanzamiento del EP doble 1 y 2 (2013). Helados Verdes es la continuación de Un disco de Los Besos, que el año pasado se colaba entre nuestra colección de joyitas discográficas recomendadas. 

Sobre el nuevo material ya tendremos tiempo de hablar largo y tendido, porque lo que nos reúne en este post es el lanzamiento del primer vídeo clip de la banda. La elegida es la canción que da nombre al nuevo disco, una balada aderezada con trompetas que va cobrando nuevos significados con cada escucha.

Michelle Gualda dirige esta hermosa pieza que nos gana por la simpleza de su puesta en escena, su ambientación y actuaciones, al punto de convertirse en una experiencia multisensorial entrañable. "Es... tan difícil encontrar palabras" dice la actriz Miyamura Tomoko en el momento más alto del clip, luego de un encuentro inesperado que deja al espectador con más preguntas que respuestas, siendo testigos de una epifanía provocada por los sentidos más directos. Un misterio develado en un lugar común y corriente, poesía desde lo cotidiano, así mismo vamos descubriendo la nueva colección de Los Besos, con una de las mejores piezas audiovisuales que hayamos visto este año. 


Descarga: Helados Verdes
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miércoles, 5 de julio de 2017

Vídeo: A.CHAL - To The Light



A.CHAL vive en medio de dos mundos. Quien lo escuche notará la convivencia entre hedonismo y espiritualidad en cada una de sus rimas, características que responden más a un conjunto de experiencias de vida que a un personaje para su puesta en escena. Es de este modo que tanto su incursión en, la a veces tóxica, vida nocturna en Los Ángeles y sus raíces en el Perú rural encuentran comunión pese a las distancias físicas y culturales.

En To The Light encontramos un gran ejemplo de lo expuesto anteriormente, un escape narcótico del mundo materialista a favor del amor propio (“I said I found a way, to that light / Ah, fuck the money, I found the light”). El vídeo promocional de la canción expande la idea, donde un A.CHAL hundido en sus propios demonios, representados por la iluminación verde, encuentra la redención en medio de alucinaciones del desierto e iconografía religiosa.

El vídeo termina con un extracto de la participación de A$AP Nast, otra canción perteneciente al mixtape ON GAZ, reciente lanzamiento del peruano en donde explora más a fondo esta dinámica propia de la lucha constante que es la vida.


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jueves, 29 de junio de 2017

La Lá - Zamba Puta (2017)


Entre los lanzamiento de Rosa y "Zamba Puta" ha pasado poco más de tres años, tiempo en que la popularidad de La Lá, Giovanna Nuñez de nacimiento, ha crecido quizás mucho más de lo que ella pudo haber imaginado. Pese a que sus inquietudes musicales se vinculan con géneros cada vez de menor usanza en la música popular (vals, jazz, bossa nova, etc), canciones suyas, como Animales o Salchipapa, curiosamente han ocupado espacio en compilatorios y playlists destinados a ritmos modernos (véase todo lo catalogable como indie hoy en día).

Para el resto de Latinoamérica puede que el primer acercamiento a La Lá esté en Invierno, perteneciente al aún divisivo álbum Estilo Libre de Gepe. Pese a la exposición ganada, la bachata en cuestión no aprovecha del todo las habilidades de la limeña, siendo más un experimento curioso que la suma de lo mejor de ambos compositores.

Por suerte ahora tenemos "Zamba Puta", producción que demuestra evolución y que va generando buena aceptación en diversas partes de Latinoamérica gracias a su rica instrumentación así como por los tópicos que La Lá decide plantear.

Al respecto, un gran indicativo sobre los temas a tratar está en el nombre de la producción, con comillas incluidas, una frase usada para denigrar a mujeres tanto por su ascendencia andina/afroamericana como por el goce de su vida sexual. La Lá expone las palabras para disminuir el aura ofensiva, caso similar a algunos otros temas presentes en la mitad del disco. Primor es el primer ejemplo notorio, donde pese a su delicada presentación, la cual podría pasar como una mera anécdota gastronómica para el oyente descuidado, esconde los peligros propios de las relaciones tóxicas y el machismo como norma de varios hogares.

Similar suerte recibe la contigua Linda Bler, ubicada a la mitad de la producción, donde el título parece hacer referencia a aquellas personas consideradas como los “monstruos de la historia” en las sociedades conservadoras. El momento destacado va por parte del hermano de La Lá, Alonso Nuñez, que, con voz pura y calmada, da vida a los pensamientos de un personaje reprimido al no poder expresar su interno sentir femenino (“Vuelvo dispuesta a matar / lo que eran mis emociones / tonterías de bruja”). Podría ser sin problemas la canción más conectada al arte de la portada, donde un personaje sin sexo definido vive tranquilamente en un paraíso natural, lejos de las juzgantes miradas urbanas.

Como si se tratara de otro acto de simetría, cerca al inicio y final de "Zamba Puta" se hallan dos casos curiosos debido al uso de distintos idiomas. Primero hallamos a Cornamenta, canción lenta en portugués donde el protagonismo se lo roba el cuerno (¿de ahí el título de la canción?) que suena en un par de ocasiones, generando una sensación añeja pocas veces escuchadas en la música actual. El segundo caso es Espejo Adolescente, donde la desnudez instrumental resalta la peculiar pronunciación que La Lá le otorga al inglés con la finalidad de amoldar las palabras según sus intenciones melódicas.

También hay espacio para otros temas importantes para La Lá, quien, siendo una persona que parece buscar una vida tranquila, vive su maternidad con felicidad y orgullo. Fruto de estas experiencias es Bebés, tema que bien podría pasar como un dulce canto de cuna que expresa el amor por sus aún pequeños hijos. Caso similar es La Felicidad, un agradecimiento póstumo a su madre en forma de vals donde la percusión de cajón peruano otorga una galopante energía que la distingue al resto de canciones. Intencionalmente o no ambas canciones son con las que se inicia y acaba la producción, como si fueran un círculo de la vida que se reaviva con cada nueva escucha.

En resumen,  quien escuche "Zamba Puta" encontrará una obra que refleja el momento actual de su creadora. Es notorio cierto temor hacia las taras de una sociedad conservadora, algo que seguro aumenta cuando se cría hijos, pero ello no opaca el amor, un sentimiento presentado del modo más puro a lo largo de la producción y poseedor de múltiples rostros a lo largo de estas nueve canciones.




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